Эпоха авангарда

Хотя стиль модерн охватил даже начало XX в., Началось оно как новая культурная эпоха с авангарда. Сейчас уже многие считают, что именно художники первыми чувствуют кризиса и повороты истории и первыми начинают реагировать на них своим творчеством. На рубеже XIX и XX вв. начался процесс, в котором изобразительное искусство так же, как литература и музыка, почувствовало трансформацию настолько радикальную, что критики заговорили о "разрушение художественного языка". Историк религии Да культуры М. Элиаде размышлял над тем, что при изучении некоторых авангардных произведений создается впечатление, что якобы всю историю искусства новые авторы хотели свести к tabula rasa. Это больше, чем разрушение, это погружение в Хаос. Однако, говорит он, можно догадаться, что автор находится в поисках чего-то, что он не сумел еще выразить. Ему нужно было уничтожить руины и обломки, оставленные в наследство предшественниками, и подойти к зачаточных форм материи, чтобы иметь возможность начать с нуля историю искусства и показать, что после разрушения начнется создание новой Вселенной. Немецкий писатель Т. Манн но считал, что "это конец эпохи, эпохи буржуазно-гуманистической и либеральной, которая зародилась в эпоху Возрождения, достигла развития в период французской революции, а теперь мы присутствуем при ее последних судорогах и агонии".

В то же время авангард стал мощным процессом в западной культуре, который охватил все более или менее значимые ее аспекты и ознаменовал начало качественных изменений, отразив реакцию на глобальный перелом в культурно-цивилизационных трансформациях. Авангардное мышление в науке имеет основой основные учения постклассической философии - А. Шопенгауэра, Ф. Ницше, С. Кьеркегора, А. Бергсона, М. Хайдеггера, Ж.П. Сартра. Очевидное влияние достижений психологии (З. Фрейд, К. Юнг), а также разрыв с евроцентризмом и заинтересованность восточными культурами. На формировании авангардных установок отразились также войны и социальные потрясения XX в. Авангард - это и художественный стиль, вобравший совокупность многих новаторских и бунтарских течений в искусстве. Наиболее общими чертами авангардных течений является сознательное направление на поиск нового художественного языка, способного выразить самые современные вещи, революционное отрицание традиционного искусства (как "обывательского", "буржуазного", "академического" и т.д.), а также связанных с ним ценностей; стремление к созданием новой реальности, а следовательно, отказ от изображения "видимого" (картины авангарда - это не "окно в мир», не «кусочек реальности", а что-то вроде философского произведения, отражает мировоззренческую концепцию художника). Это - аналитическое искусство, поэтому рассчитано на интеллектуалов. Для авангарда характерен также синтез искусств, их взаимодействие (например, живописи и музыки).

Все новые течения начинали с эпатажной манифестации своих художественных программ, часто утверждая противоположные друг другу вещи: увлеченность технизацией и урбанизацией (футуризм, конструктивизм, супрематизм, конкретная поэзия, кинетическое искусство, концептуализм) и, наоборот, протест против них (фонизм, экспрессионизм, некоторые школы абстракционизма, наивное искусство, сюрреализм, театр абсурда, экзистенциализм в литературе) материалистический сциентистский позитивистский интерес к сфере объектов, равнодушие к сфере духа (кубизм, конструктивизм, кинетизм, поп-арт, концептуализм, боди-арт и др.) и интенсивные поиски духовного воздвиг от засилья материального (абстракционизм В. Кандинского, супрематизм К. Малевича, сюрреализма хе-Пенинг) поиск научных законов воздействия цвета (и формы) на сознание (кубофутуризм, конструктивизм, концептуализм, додекафония в музыке) и притворство до * парадоксов, алогизма, абсурда как приема (дадаизм, сюрреализм, литература "потока сознания", алеаторика в музыке, конкретная поэзия и конкретная музыка, театр абсурда и театр жестокости).

Что касается политических позиций авангардистов, то много украинских, российских, белорусских авангардистов приветствовали революцию, итальянские футуристы поддержали фашистские идеи Муссолини. Однако это была "любовь без взаимности", поскольку тоталитарные режимы запрещали и преследовали авангардное искусство. Значение авангарда состоит в том, что: 1) было доказано, что все формы в искусстве относительные и отказ от имеющихся может быть вполне продуктивной, а новые способны адекватно выразить дух времени и эстетические потребности человека, доказали своим творчеством В. Кандинский, М. Шагал, К. Малевич, А. Матисс, П. Пикассо, А. Модильяни, С. Дали, Дж, Джойсс, М. Пруст, Ф. Кафка, Э. Ионеско, С. Беккет, А. Шенберг, Ле Корбюзье и др .; 2) было произведено много новых элементов, форм, приемов, подходов в художественной культуре; 3) сформировались новые виды искусства (кино, телевидение, искусство фотографии, электронная музыка, компьютерный живопись, различные шоу на основе синтеза искусств, иногда супертехнизовани и др.).

Авангардное искусство мало представителей во всех странах Западного мира. В Украине авангардная творчество было блестяще представлена в 20-30-х годах (особенно кубофутуризмом О. Богомазов, А. Экстер, В. Ермилов, А. Петрицкий и др.). Однако, как и в России, Беларуси и других государствах - республиках бывшего СССР, начиная с 30-х годов, авангардное искусство было объявлено анти искусством, формализмом, штукарством, идеологически враждебным. И только с 80-х годов стало возвращаться на выставки и в музеи.

Французские художники Ж. Брак и П. Пикассо начали кубизм. Первыми кубистические картинами были "Дом в Эстаке" Ж. Брака (1908 гг.), Обобщенные геометризованные объемы в котором вызвали ассоциации с "небольшими кубами", откуда и пошел термин "кубизм", и "Авиньонский девушки" П. Пикассо ( 1907), где художник предложил невиданное до тех пор толкование человеческого тела и его форм, которые якобы собраны из отдельных геометризованных плоскостей и упрощенных объемов. Цель такого изображения можно понять со слов самого Пикассо: "Я спрашивал себя, не надо изображать вещи такими, как их знают, чем такими, какими их видят?". Вскоре вокруг Ж. Брака и П. Пикассо образовался кружок художников и поэтов, который прозвали "плавучий прачечной", - так назывался дом на Монмартре, где поселился Пикассо (членами кружка были и поэты М. Жакоб, А. Мальмон, Г. Аполлинер) . 1911-1912 гг. - Период так называемого аналитического кубизма, когда художники стремились изобразить предмет не только с разных сторон, но и изнутри. Творческая биография Пикассо богата поиски: "голубой" и "розовый" периоды, дань различным стилям, однако известный его произведение - "Герника", созданный в стиле кубизма. После преобразования фашистским бомбардировкам в руины испанского города Герники Пикассо за несколько недель написал огромное композицию (28 м). Выдержанное преимущественно в белых, черных и серых тонах, полотно изображает мир, который на глазах падает в небытие. Во мраке среди черепов и костей - останки людей и лошадей, расширенные глаза масок и свет, напоминает прожектор концлагеря; трагическая античная маска ворвалась в этот хаос, взывает от ужаса. Пикассо сумел передать художественными приемами кубизма трагедию разрушения мира.

Фовизм - тоже один из первых видов искусства авангарда. В 1905 на выставке в Париже А. Матиcс, "А. Дерен, М. Вламинк, А.Марке, К. ван Донген и другие экспонировали свои произведения, которые по резко контрастные цвета и упрощенность форм критика назвала произведениями" дикарей "- les fauves, а все направление получил название "фовизм". талантливого из них А. Матисса считают представителем декоративного направления современной живописи ("Танец", "Музыка"), но правильнее было бы назвать его возродителя традиции монументально декоративной живописи, который развивался с Древнего Египта до эпохи Возрождения. Матисс дал современном-живописи частей, "звучащий" цвет, гармонию открытых тонов, музыкальный ритм силуэтов, ясный рисунок, равновесие цветных пятен.

Произведения представителей фонизма полны покоя, созерцательности, изящно-живописные или бурно оптимистичны. Однако их жизнерадостность является следствием сознательного ухода от драматических коллизий.

Один из самых сложных направлений авангарда - экспрессионизм - сформировался в Германии. Своими предшественниками экспрессионисты считали бельгийского художника (англичанина по рождению) Д. Энсор с его основным мотивом творчества - масками и скелетами, выражением ужаса перед действительностью; норвежского художника Э. Мунка, картины которого критика называла "криками времени", голландца Ван Гога. Начало этому художественному направлению было положено в 1905 pp. организацией в Дрездене объединения "Мост" Б. Кернером, Б. Хеккель и К. Шмидт Ротлуфа. После года совместной работы члены объединения выступили а собственным манифестом. В нем они называли себя "молодежью, которая несет ответственность за будущее". Название "Мост" они толковали как связь одного берега с другим, отмечая при этом, что "откуда мы должны идти, нам ясно, а куда придем - у вас меньше уже уверенности ''. С 1906 до 1912 г.. Члены" Моста "устраивали выставки то в Дрездене, то в Кельне. Еще два года, но уже в Берлине, продолжались выступления членов" Моста ", только уже в составе организации" Синий всадник ". В творчестве одного из самых ярких художников в" Мосте "Э. Кирхнера , его основателя и теоретика, сформировались черты, которые стали определяющими для всего направления.

Для Э. Кирхнера, как и для других, враждебность мира, на которую они так болезненно реагировали, воплощалась прежде всего в современном городе. Город как символ зла, безжалостно разрушает природу и человека, стало одной а ведущих тем в его творчестве (а также А. Кубина, А. Кокошки, П. Клее). Современность представлялась им абсурдной, дисгармоничной, деформированные формы, проникнуты гнетущим пессимизмом, свидетельствовали о душевной опустошенности. Работы других экспрессионистов ("Страх", "Крик", "Одинокие" Е.Мунка, гравюра на дереве "Двое раненых" и картина "Безумный" Э. Хеккеля, литография "Хлеба!" К. Кольвиц, "портреты городов" А. Кокошка, "Женщина в красном" X. Сутина и др.) тоже не оставляют публику равнодушной. Это всегда сгустки безнадежности. Однако это искусство было холодным и рационалистическим, как и положено живописи авангарда, который обращался прежде всего к разуму.

Откровенно мятежной авангардистской течением в живописи и литературе был футуризм. Опубликованные 11 тезисов итальянского поста Ф. Маринетти - настоящий апофеоз "наступательного движения", "красоты скорости". В "Манифесте футуризма" сообщалось о смерти культуры прошлого, содержался призыв к разрушению музеев, библиотек, классического наследия как вместилища искусства старых времен. Единомышленниками Ф. Маринетти стали итальянские художники В. Боччони ("Шум улицы проникает в комнату"), Дж. Балла ("Пластичность света + скорость"), Дж. Северини ("Норд-Зюд") и другие, которым казалось, что ими открыта новая красота - настоящая красота современного мира, которую представляют машины, железные дороги, гул моторов, феерия электрических огней, скорость самолетов. Футуристы стремились воссоздать этот динамизм мира, который является не только на улице, но и внутри человека (В. Боччони "Состояние души"). Они хотели пластическими средствами воспроизвести движение как таковое. Они рассуждали так: конь, бежит, демонстрирует не четыре, а двадцать ног, а потому и изображали двадцать ног, то есть перо носили на полотно несколько моментов движения одновременно. Помог им кубизм, что разложил предмет на отдельные элементы, которые можно было комбинировать. В Украине и России поиски футуризма отразились в кубофутуризм. Литературные манифесты футуристов провозглашали: "Только мы - лицо нашего Времени". Все это демонстрировало прежде всего стремление к обновлению художественного языка, которая лучше выражала свое время.

Для украинских и русских авангардистов был характерен кубофутуризм, возникший из названий двух направлений живописи, которые, казалось бы, трудно совместить. Кубизм, хотя и раскладывал на "аналитической" стадии своего развития предметы и фигуры в целом стремился к конструктивности, культивировал идею строительства, архитектоники; футуризм же безудержной динамикой форм разрушал конструкцию. В общем закономерном движении живописи к новым принципам кубофутуризм, как и кубизм в целом, был последней стадией более или менее непосредственного контакта с реальностью.

Первым представителем украинского кубофутуризма является художник А. Богомазов, профессор Киевского художественного института. Еще в 1914 он написал труд "Живопись и элементы», в которой теоретически обосновал новые художественные принципы: "Мир наполнен энергией движения, и наблюдательный глаз видит динамику даже в статичном предмете (" гора надвигается "," рельсы бегут "," тропа вьется "). Чувствительный зрительное ощущение фиксирует в каждом предмете как приток массы к активным его мест. Объект, следовательно, формируется на наших глазах, он не является застывшим, как на полотнах невнимательных Верхогляд-натуралистов. Линии и формы о ' объекта наблюдения имеют свой темп и ритм. И художник, осознавая это, может сымитировать свое переживание от этого объекта с помощью линий и форм и соответствующий ритм ". В 10-20-х годах в Украине работала целая генерация художников, творивших картины мирового уровня: А. Богомазов ("Армения", "пильщик", "Киев, Глыбочица", "Базар" и др.), А. Экстер ( "Мост"), Г. Нарбут ("Футуристический портрет"), Н. Редько ("Свет и тень симметрии"), Г. Собачко-Шостак ("Движение цвета", "Тревога"), В. Хвостенко-Хвостов (" Crescendo из подвижных цветных конструкций "), К. И Пекарский (" Фантастический город "), А. Петрицкий (" Композиция ") и др. Они вобрали темперамент времени и ощущение исторического сдвига, всемирности изменений, происходивших. Большинство художественных исканий были связаны с эстетикой технической цивилизации XX в.

"Архипентура" - название одного из изобретений украинского скульптора-кубофутуристами А. Архипенко, сконструированного им из металла, дерева и стекла человекоподобного механизма "Медрано" (парижский циркач). Все части этого "работа" двигались, перемещались. Это был первый механический дисплей, машина для демонстрации наборных цветных изображений. В нем основным был не сюжет, а постоянная изменчивость. Свой художественный отклик на век технического прогресса мастер посвятил выдающимся ученым начала XX в. - Т. Эдисону и А. Эйнштейну.

А. Архипенко называли "Пикассо скульптуры". Большую часть жизни он провел за пределами родины - в Париже, Берлине, Нью-Йорке, и скульпторы всего мира почувствовали влияние его обновленных скульптурных форм. Архипенко как художник авангарда избегал конкретности, его интересовали символ ассоциация, относительность. Первые его скульптуры - "Мысль", "Отчаяние" - показали, что художник стремится передать идею, а не вещь: человека в отчаянии, а отчаяние, а не мыслителя, а мнение. Такими же являются его безличные каменные торсы: "Ребенок", "Женщина", "Негритянка", в которых дышит архаика, життетворча энергия. Скульптор избегал этнографизма. Лишь иногда в его работах отдельные детали одежды персонажей или характер орнамента выражают национальную принадлежность его героев - "Жозефины Бонапарт", "Арабской женщины", "Древней египтянки". Изображенные А. Архипенко типа - абсолютные и вечные, трансформированные в "материал реальности".

Кроме "архипентур", выдающийся скульптор ввел и другие новации: он первым покров радужными цветами грани и плоскости своих скульптур. Такова "Пьеро-карусель" (1913 гг.), Подвижная фигура, составленная из кругов, конусов, ромбов, в которой к тому же вращаются и раскачиваются все оси. Новаторским стало и толкования скульптором пространства между частями скульптуры, который он сравнивал с музыкальными паузами. А. Архипенко начал моделировать пространство и ему удалось достичь своей цели в статуи "Женщина, идущая" (1912 г.). Метафизической есть и основа другого изобретения - вогнутости в скульптуре, которые тоже воспринимаются как символы отсутствующих форм и открыты для ассоциаций и сопоставлений. А. Архипенко завоевал титул "гения скульптуры", проложив дорогу другим выдающимся мастерам - Генри Муру, Джакометти, Колдер и др.

Одна из основных течений авангарда - абстракционизм - в связи с отрицанием художниками любого изображения предметов в искусстве называется еще безпредметництвом. Первый из основателей "неопластицизма" - голландский художник Пит Мондриан - разделял взгляд, что создание универсального образа мира возможно благодаря прямоугольникам разного цвета. Так появились многочисленные композиции без названия, под номерами и буквами. Мондриая был одержим культом равновесия вертикалей и горизонталей. Другой предстал ник абстракционизма - В. Кандинский - основал в Мюнхене альманах «Синий всадник», который стал центром, вокруг которого собиралась авангардная художественная молодежь. Он же написал теоретический произведение "О духовном в искусстве, отстаивая уход от натуры. Только гармонией цветовых пятен или сочетанием цветных плоскостей можно выразить вечные" духовные сущности ", движение" космических тел ", драматизм и лиризм чувств, ведь художник абстрагируется от предметов внешнего мира , а не от собственной личности. Картины В. Кандинского этого периода живописными полотнами, в которых бесформенные пятна интенсивного цвета в красивых сочетаниях пересекаются кривыми или извилистыми линиями, иногда похожи на иероглифы. Абстракционизм в некоторых работах открыл новые горизонты выражения духовного с помощью цвета и линий, полностью лишив искусство прагматизма, утилитарности. Другие направления представлены променизмом М. Ларионова, беспредметностью А. Розанова и Л. Поповой, супрематизмом украинском К. Малевича, а также голландцами П. Мондрианом и Т. ван Дюсбюргом, который имеет ставляе "чистоту , ясность, конструктивность "чис тех конструктивных форм" случайности, невизнанечености и произвола природы ".

Новое поколение абстракционистов появилось после Второй мировой войны в Америке, поскольку туда с приходом к власти фашистов в Германии переместились центра нового искусства. В 1937 в Нью-Йорке семья миллионера Гугенхейма открыла музей современной живописи; в 1939г. - музей современного искусства на средства Рокфеллера. В США в рамках абстрактного искусства появились новые школы: абстрактная каллиграфия, "дрипинг", "звезда" американского безпредметництва - Д. Поллок - применил прием разбрызгивания красок на холсте без кисти. Это называлось также абстрактным экспрессионизмом в Америке, ташизм (от слова "пятно") - во Франции, живописью действия в Англии, ядерным живописью - в Италии.

Абстракционист К. Малевич стал основателем новой авангардной течения - супрематизма (с фр. - Высшее), в которой он соединил импрессионистским (комбинации цветовых сочетаний) и геометрический (комбинации геометрических фигур) абстракционизм. Стремясь выразить "чистое", независимое от материи бытия, живописец не использовал земные ориентиры, а попытался посмотреть на окружающий мир как будто из космоса. Его волновала идея выхода за пределы земного притяжения (кстати, К. Малевич является автором термина «спутник»). Возможно, именно поэтому в его беспредметных композициях из круга, креста и треугольника, окрашенных в черный, красный, синий, желтый цвета, исчезает представление о "земные верх" и "низ", "левое" и "правое" - все направления равноправны, как во Вселенной. Свою живописную систему художник обосновал в брошюре "От кубизма к супрематизма. Новый живописный реализм" и в некоторых других произведениях.

Свой новый вариант абстракционизма Малевич продемонстрировал в 1913 p., Выставив на обозрение картину "Черный квадрат". Современники называли ее "нулем Искусства, новой точкой подсчета", а сам автор - "зародышем всех возможностей". Действительно, в дальнейшем "Черный квадрат" переосмысливался неоднократно (экологи, например, перекрасили его в зеленый цвет), а сам К. Малевич вернулся к этому образу, работая над оформлением оперы "Победа над солнцем", в которую создал завесу с черным квадратом - " иконой XX вв. ". Некоторые из украинских исследователей склонен видеть в его квадратах, крестах, треугольниках и кругах те психологические архетипы, которые легли когда в основу таинственной языка Украинский орнаментов и отразились в полотенцах, писанках, узорах ковров и т. Недаром свой "Красный квадрат» 1916 p. К. Малевич характеризовал как "живописный реализм крестьянки в двух измерениях».

С конца 20-х годов художник отказывается беспредметности, обращается к изобразительности и пишет "крестьянский цикл» - мистерию гибели украинского села. Черный квадрат меняется "новой иконой" - красным крестом.

Супрематические композиции имели значительное влияние на живопись и дизайн 20-30-х годов и на всю дальнейшую стилистику.

В разгар Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, где война свела художников и поэтов из стран, враждовали, сформировалась течение авангарда дадаизм. Художники собирались в своеобразном художественном клубе под названием "Кабаре Вольтер", чтобы выразить общую ненависть к тем, кто решил эту кровавую бойню. Они отрицали все авторитеты, все традиции и само творчество. Хотели показать, что мир этот заслуживает только высмеивание и презрение. Один из сторонников дадаизма сказал: "Мы просто издевались над всем, для нас не было ничего святого, мы плевали на все и это было дада" (термин объясняли так: "дада румынском языке означает" да, да "; французской - конек, для немцев - это признак наивной глупости ").

Дадаисты писали картины в темноте (Г. Рихтер) или делали автоматические, неосознаваемые рисунки (Г. Арн), на выставках демонстрировали утюг с припаянными шипами ("Подарок" М. Рея) или ночной горшок и писсуар (М. Дюшан). Они говорили, что изделия массовой продукции могут быть произведением искусства, если вырвать обычный предмет из обычного для него окружение, немного изменить его и дать ему название. Так, в Дюшана оконная рама, затянутая вместо стекла черной кожей, превращалась в вдову, упомянутый писсуар - на фонтан. Позже эта практика была подхвачена сюрреализмом и поп-артом. Другой версией дадаизма стала практика коллажа, когда из кусков смятой бумаги, отрывков текстов из старых газет и журналов, кусков тряпки, использованных билетов и т.д., прикрепленных к полотну, возникал произведение искусства.

Дух отрицания и бурного протеста дадаистов оказался созвучным мироощущению европейцев, а также американцев, а потому это течение было сообщников в разных странах. Однако наиболее активно деятельность дадаистов после Цюриха развернулась в Париже, где произошла серия экстравагантных акций, которые даже преобладали швейцарские уличные представления в стиле дадаизма. Чувствительные, язвительные речи собирали толпы во дворцах, галереях, музеях и клубах, где одна из известных представителей этого течения Т. Тцара устали провоцировал художественную интеллигенцию. Вопреки утверждениям, что дада ничего не означает, дадаист манифестировали свои взгляды в публичных выступлениях, в журнале "Дада", который выпускали в 1917-1919 гг., А также в книгах. Это течение просуществовала недолго (1916-1922 гг.), Но за короткий период она успела спугнуть всю Европу и угадать во многом дальнейшую эволюцию авангарда. И это недавно, поскольку через 40-50 лет произведения дадаистов экспонировались с большим успехом, с публикацией основательной сборники документов движения.

Протест, провокация, эпатаж, присущие дадаизма, вдохновили сюрреализм (надреализм) - еще одно течение художественного авангарда, начало которой положила группа французских писателей и поэтов (Андре Бре Луи Арагон, Поль Элюар, Жан Превера и др.). В 1924 г.. Вокруг журнала "Литературы", выпускавшийся ними, собралась довольно многочисленная группа, к которой присоединились художники М. Эрнст, А. Массон, М. Дюшан, чуть позже - С. Дали и Р. Магритт. В глазах художественной общественности именно ше определили лицо сюрреализма, прославили ного, хотя зародился он как литературное течение. В своем манифесте сюрреалисты декларировали, что их творчество - "чистый психический автоматизм ... Диктовка мысли без всякого контроля со стороны разума". Это говорит о том, что это искусство основывается на философы интуитивизма и психоанализе Фрейда. В литературной и художественной творчества сюрреалисты неуклонно отстаивали тезис, что к пониманию настоящей сущности человека можно приблизиться только через восприятие темных сил подсознания. Назначение искусства они видели в том, чтобы воспроизводить образы сновидений или те, которые сопровождают бред и галлюцинации. Но С. Дали не удовлетворяло пассивное и бесстрастное фиксирования неподвластных разуму состояний, поэтому он предлагал свой метод в дополнение к автоматизма - "параноик критическую деятельности", строится на неожиданных внезапных ассоциациях. Далее рисовал образы, которые знал ум, но дал им возможность сочетаться под диктовку его подсознания, сливая в гротескной манере (например, "Рынок рабов с привыкая бюстом Вольтера", "Женщина - лошадь, страдающий паранойей»). Работы С. Далее выполнялись в технике старых мастеров, поскольку он считал, что превысить технику Ренессанса невозможно.

Итак, сюрреализм базируется на вере в высшую реальность произвольных ассоциаций, во всемогущество сновидения, в незаинтересованную игру мысли. С. Дали и другие говорили, что основной идеей их произведений, является соотношение иллюзии и реальности, поиск границ между ними. Можно выделить два приема, которые использовали сюрреалисты: 1) введение в нереальный, фантастический пейзаж подчеркнуто реальных вещей и предметов; 2) создание на фоне реального пейзажа нереального к страхитливости образа (например, С. Дали "Мягкая конструкция с вареными бобами. Предчувствие гражданской войны"). Наивысший успех сюрреализм имел в 40-50-х годах в США.

Еще одно из направлений художественного авангарда - кинетическое искусство, это когда "произведение движется, вибрирует, набирает энергию, умирает и снова рождается". Движение становится основным средством художественной выразительности. При этом используются цветовые возможности света. Кинетическое искусство сформировалось уже в первые десятилетия XX в. в кругу поисков футуристов. В 1961 г.. Торжественно было отмечено международной выставкой в Амстердаме 50-летия кинетического искусства, а после этого работы с элементами движения получили распространение и стали модными. В этом направлении авангарда использовались движение жидкостей и воздуха, магнитные поля, отраженное и преломленный свет, экраны с подвижными световыми пятнами, скульптурные композиции из светотенью, которая удивительно меняется во время движения, динамические комбинации предметов. Типичным был довольно известный в свое время произведение И. Тенгели "Как дань уважения Нью-Йорке" - гигантская конструкция из разных старых вещей: швейных машин, вышедших из употребления, станков, детских колясок, труб, огромного количества различной величины колес и тому подобное. Выставленная в 1960 в Нью-Йорке, в парке Музея современного искусства это сооружение, что громко изрыгала языки пламени и клубы дыма, на глазах у публики превратилась в груду обломков. Таким был замысел автора - "произведение искусства, саморазрушающейся". Объекты кинетического искусства служат эстетической организации окружающей среды. Ното приемы используются при организации выставок, ярмарок, в парках, в интерьерах общественных помещений.

Оп-арт - авангардистский направление в изобразительном искусстве, который сформировался в 60-х годах. В работах оп-художников используется оптический эффект, построенный на причудливых, достаточно изобретательных сочетаниях абстрактных геометрических форм, преимущественно черно-белых, на тканях, бумаге, посуде, реже - на картинах. Прежде чем оп-арт приобрел признание на выставках, он почти 30 лет творился в мастерских его создателей - парижских художников В. Вазарели, Р. Сото, А. Гербена и немецкого художника, эмигрировавшего позднее в США, И. Альберса. Основатели оп-арта экспериментировали с беспредметными, рассчитанными только на интуитивное восприятие, иллюзорными оптическими эффектами. Розлинийовани мелкой сетью аритмичных линий, покрытые разноцветными квадратами, треугольниками, концентрическими кругами и т.п. "произведения оп-искусства создавали острую оптическую иллюзию движения и изменения композиции цвета и формы, эффект пространства, колеблется. Когда зритель смотрел, то с разных углов зрения он видел лишены четких границ, всегда абстрактные образы, которые менялись и разрушались у него на глазах. Часто это дополнялось световыми орнаментами, которые обеспечивали определенные конструкции с помощью линз и зеркал. К оп-арта тяготело и так называемое световое искусство, в котором, в отличие от оп -арт, где световые элементы усиливают нанесены на холст изображение, свет является самостоятельным изобразительным элементом - цветные лучи света применяются вместо красящего пигмента. Свое восхищение светом художники объясняли тем, что свет как форма энергии имеет больший эстетическое воздействие на человека, чем традиционные средства живописи. Искусствоведы считают, что оп-арт определенным образом повлиял на художественную промышленность.

Поп-арт как течение авангардного искусства сформировался в начале 60-х годов в США. В 1964 г.. Поп-арт стал победителем на 32-й Венецианской биеннале (художники Р. Раушенберн, Дж. Джонс, Дж. Чемберлен, К. Ольденбург и др.). Критика по-разному оценивала поп-искусство. Его называли незаконнорожденным отпрыском дадаизма, поскольку художники поп-арта тоже создавали коллажи из различных вещей. Такие комбинации выражали отношение художника к определенным событиям или явлениям. Иногда в их произведениях восстанавливались "пропавшие содержания" или они могли восприниматься как притчи. Одни критики считали это антиискусством, другие ценили за совершенно оригинальную технику, которую называли комбинированным живописью. Во Франции возник свой разновидность поп-арта - "новый реализм", представители которого включали в произведения необработанные материальные объекты ("реальные элементы"). Несмотря на то, что поп-арт стал своеобразной реакцией на беспредметность и противопоставил ей мир натуральных вещей, его предметность тоже свободна от изображения действительности, как и произведения абстракционистов. Художникам поп-искусства чужой принцип рождения идеи в голове и перенос ее в дальнейшем на холст. Фактически они действуют в соответствии с известным "принципа психического автоматизма", на который опирались и некоторые их предшественники.

Новую архитектуру представляет международный стиль - функционализм. Поскольку длительное время не было большого стиля в архитектуре (после классицизма царила эклектика - смесь различных исторических стилей), в Европе в начале прошлого века сформировались благоприятные обстоятельства для оживления строительства. Во-первых, возник такой вид деятельности, как дизайн - художественно-проектная творчество, цель которой заключается в эстетическом формировании предметно-пространственной среды человека, во-вторых, появилась плеяда талантливых художников-дизайнеров В. Гропиус (Германия), Ф .-Л. Райт (США), Мис ван дер Роэ (Голландия), Ле Корбюзье (Франция), А. Родченко, В. Татлин, художники «Мира искусства» (Россия), М. Бойчук и бойчукисты (Украина). Учебным заведением, где разрабатывались проблемы дизайна, был "Баухауз" - высшая школа строительства и художественного конструирования в Германии в 20-х годах, идейный, производственный и учебный центр художественной жизни всей Западной Европы, где и формировалась эстетика архитектурного стиля функционализм. Сам "Баухауз" в и Дессау - программная сооружение этого направления. Его стимулировало разрушения старых феодальных городов, что было результатом Первой мировой войны.

Функционализм был противоречивым архитектурным направлением, его крайности представлены утилитаризмом Б. Таута (предлагал вместо городов создавать поселка на 500 человек под лозунгом "Земля - хорошая квартира") и техницизмом и рационализмом Мис ван дер Роэ. Значительно способствовал развитию этого нового стиля один из величайших архитекторов XX в. Ле Корбюзье, нововведения которого - новые типы зданий (галерейные, коридорного типа, дома с плоскими крышами, двухэтажными квартирами со встроенным оборудованием, рациональным планированием интерьера - введением передвижных перегородок, звукоизоляции и т.д.). Специалисты называют "пять принципов" Ле Корбюзье: дом на столбах, сад на плоской крыше, свободная планировка интерьера, горизонтальные вытянутые окна, свободная композиция фасада.

Принципы функционализма позволяли использовать их в соответствии с национальными особенностями разных стран (многоэтажная застройка в городских районах с высокой плотностью населения и коттеджи на окраинах в Англии, и "наоборот" - самые жилые здания в пригородах Парижа или Берлина). Развитие строительной техники в середине и во второй половине XX в. предоставил архитекторам огромные возможности. Сочетание логического и художественного мышления, рационализма и образности особенно эффективно оказалось в транспортных сооружениях (развязки дорог крупных городов, эстакады, многоярусные гаражи). Сочетание функционального и художественного отразилось и в современных общественных зданиях, например, спортивные сооружения есть часто универсальными залами, которые легко трансформируются. Продолжаются поиски наиболее экономичного и удобного и художественно выразительного образа вокзала и аэропорта. Удачным примером является аэровокзал "Кеннеди" близ Нью-Йорка (архитектор Б. Сааринен), выражающий конструкции "идею полета" и одновременно оптимально приспособлен для выполнения своих функций.

В Украине идеи функционализма были реализованы в конструктивизме: они отразились в архитектуре, живописи, поэзии. В архитектуре конструктивизм связан с процессами урбанизации, а следовательно, с необходимостью создания новых типов зданий и сооружений. Его развитию способствовали также рост индустриальной техники, внедрение новых строительных материалов. Архитекторы этого направления образ современных сооружений видели в гармоническом единстве функции и техники. Важными были требование конструктивной и функциональной оправданности архитектурных форм, обеспечения удобства и экономичности. Основной установкой стиля была геометризация контуров и обнажение технической основы сооружения. Конструктивисты выработали стройную систему художественной выразительности: контрасты гладких стен со сплошными лентами окон и большими застекленными плоскостями, плоские крыши, иногда замена нижних этажей опорами и, главное, - свободное компоновки объемов. Однако конструктивизм как стиль был равнодушен к местным природным условиям и национальных традиций, иногда делало строения недостаточно выразительными.

В Украине конструктивисты объединялись в созданное 1928 "Общество современных архитекторов Украины" (ТСАУ). На их творческие позиции существенно повлияло творчество выдающихся строителей того времени - Мис ван дер Роэ, В. Гропиуса и особенно Ле Корбюзье его теории о формировании архитектуры средствами машинного производства и разработанной рациональной эстетикой гладких плоскостей, прямых углов и пропорций, определенных точным расчетом. Наиболее ярко черты конструктивизма оказались в сооружениях Харькова - украинской столицы того времени. Здесь впервые был создан ансамбль центра города - площадь Дзержинского с комплексом административных и проектных организаций и учреждений. По оси круглой в плане площади - одной из крупнейших в мире - был построен огромный дом Госпрома площадью в 347 тыс. Кв. м с тремя корпусами, соединенными переходами со сложной уступчатой (с нарастанием к центру) композицией. Художественная выразительность форм обеспечивается сочетанием больших и малых объемов, четким выражением железобетонной структуры сооружения "ритмом вертикальных элементов и горизонтальных линий оконных проемов. Черты конструктивистской архитектуры отразились и в других сооружениях Харькова - помещении Краснозвездного театра, почтамта, Дворца железнодорожников, общежития ХТЗ" Гигант ", а также Дворце культуры завода" Большевик "в Киеве, Дворце труда в Днепропетровске и др.

Конструктивизм в украинском и русском буква турах возник в 1922 и существовал до 1930 г.. В группу конструктивистов принадлежали поэты И. Сельвинский, К. Зелинский, В. Инбер, Б. Агалов, Б. Багрицкий и др. Поэзии были присущи рационализм, стилизация документа и воспроизведения производственных ритмов. В начале 20-х годов возник один из самых смелых архитектурно-художественных замыслов XX в. - Проект "Башни III Интернационала", созданной В. Татлиным. Огромное сооружение не построили в связи с разрухой и нехваткой средств, но она осталась в памяти как пример оригинальной художественной и инженерной мысли.

Однако архитекторы имели и другие, не менее оригинальные замыслы. Так называемая органическая архитектура объявляла войну бытовом стандарта и воплощала противоположные идеи: связь с природой, обращение к человеческой индивидуальности. "В мире должно быть столько типов зданий, сколько индивидуумов", - говорил американский архитектор Ф.-Л. Райт. Дезурбанисты основывались на идеях Э. Хоуарда, выдвинутых им еще в 1898 во всемирно известной книге "Завтра", - идеях сооружения небольших городов-садов с свободной планировкой, общественным парком в центре города и размещенными в зелени административными и культурного назначения зданиями, жилыми домами индивидуального плана, кольцом сельскохозяйственных территорий вокруг ми-ста-сада, которое запрещено застраивать.

Дезурбанисты разрабатывали проекты небольших городов с населением не более 32 тыс. Жителей вокруг большого города (но не более 60 тыс. Человек). Эти "сити-жарден" должны быть промышленными поселками или большими жилыми комплексами в пригородах. Идея города-сада особенно импонировала английским архитекторам, что понятно, если вспомнить английскую традицию жить в отдельном коттедже и иметь при нем сад. Немецкий архитектор Б. Таут вообще отрицал потребность города, предлагая вместо них поселка в 500-600 жителей. В книге "Распад городов" он обосновал это под лозунгом "Земля - хорошая квартира". В другой книге 30-х годов "Исчезающее город" Ф.-Л. Райт выдвинул проект идеального поселения, где на каждую семью приходится акр (чуть более 4 тыс. Кв. М) земли. Основным занятием людей должно было стать земледелие. Современный скоростной транспорт обеспечивал бы общение людей, а дома у каждого должен быть телевизор. Богатые особняки и виллы делали возможным бы идею вписанности дома в среду, обеспечивая при этом максимальный комфорт их обитателям: автоматика, акустика, свет, техника, радиоэлектроника. Интересные поиски в этом направлении немецкого архитектора Г. Шумана, который соединил так называемый биологический функционализм с экспрессионизмом. Два спроектированы Ф.-Л. Райтом жилые дома конца 60-х годов - "Ромео" и "Джульетта" - имеют неправильную форму комнат, абсолютно разную планировку квартир на этаже, необычные пространственные связи между квартирами, между двумя домами, а также с ландшафтом. Автор стремился "дать пространство импровизации".

В течение последующих десятилетий (после 20-30-х годов) существовали урбанистическая и дезурбанистична теории, переплетались. От дезурбанистив, например, имеем разведения пешеходных и транспортных потоков, что стало важным принципом современного градостроительства. Органическая архитектура обусловила появление городов-спутников: так появились "Большой Париж", "Большой Нью-Йорк" и другие. В центре этих городов остаются в основном административные здания, а жилье строится "за городом" и коттеджи с садом или многоквартирные дома - на окраинах. В целом архитектурные поиски XX в. имеют два обобщены направления, которые представляют урбанистическая и дезурбанистична школы. Первую возглавлял выдающийся французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей стиля функционализм, вторая представлена наиболее ярко органической архитектурой.

На фоне значительного влияния авангардных идей на различные художественные сферы неотвратимы есть изменения и в музыке. К тому времени уже прозвучали последние шедевры европейского, симфонизма XIX в .: Шестая симфония Чайковского, Пятая А. Дворжака, Девятая (неоконченное) А. Брукнера. Некоторые представители новых музыкальных течений заговорили об устарелости большой симфонии со слишком "суровым распорядком". Однако и дальше звучала музыка И. Стравинского, А. Малера, а также П. Хиндемита, Б. Бриттена, С. Прокофьева, Д. Шостаковича. Из новых художественных на направлений первым прозвучал экспрессионизма эмоционально отразил различные состояния человека, тяжелые настроения. А. Шёнберг в произведении "Лунный Пьеро" доказал состояние аффекта к кульминации, крика. Именно Шенбергу принадлежит внедрение додекафонии, хотя впоследствии композитор считал эту систему ограниченной. В технике додекафонии писали также Б. Барток, П. Хиндемит, С. Прокофьев, Д. Шостакович и др.

Музыкальное направление, стремившегося восстановить на другом уровне импровизационный характер искусства прошлого, назвали алеаторика (с лат. - Случайность). Речь идет о музыкальное произведение, которое возникает случайно, независимо от замысла автора: например, на нотную бумагу разбрасываются чернил и "оформляются" в ноты. Так была создана "увертюра" для открытия одной из музыкальных "Варшавских осеней". Положительными результатами творческого экспериментирования композиторов стали изменения в музыкальном языке, расширение зоны музыкальных звуков и шумов и др. Интересный эффект можно получить при использовании таких выразительных средств, как акустические эффекты, шумы, "конкретные проявления жизни" (П. Шеффер, П. Булез, О. Мессиан, А. Жоливе). Так, смонтирована П. Шеффером и П. Булезом "Симфония для одного человека" является акустическим рядом, напоминающий шумовое оформление к кинофильму или представления: шум машин, звук полицейского автомобиля, бой часов в комнате, шаги человека, который что-то напевает себе под нос и тому подобное. Развитие электронной техники привело к появлению так называемой живой электроники - максимально приближенные к натуральному звука тембры человеческого голоса и музыкальных инструментов, полученные путем электронного синтезирования.

Соноризм использует нерасчлененные во времени, слиты звуковые комплексы, заполняющих пространство. Соноризм как один из приемов применялся и ранее: известные "аккорды оцепенения" в опере М. Глинки "Руслан и Людмила", звуковые комплексы в Р. Вагнера, Р. Штрауса, К. Дебюсси; Противоположный ему направление - пуантилизм (писания точками) - заключается в том, что звуковой ряд формируют "музыкальные атомы".

Джаз - род развлекательной музыки, возникший в США в 1915, выдающееся музыкальное явление XX в. Триумфальный его путь странами мира начался в первые послевоенные годы, а 20-е годы называют временем джаза. Джаз заимствовал в народной музыке афроамериканцев характерные особенности ритма (острые синкопы-перебои), строя, инструментовки, звукоизвлечения. Джаз - это импровизационное искусство. Выдающиеся композиторы начала века прислушались к оригинальным звучаний музыки афро-американцев и не раз обращались к ней при написании сочинений. Американский композитор Дж. Гершвин вошел в историю музыки как создатель симфонического джаза (концерт "Рапсодия в блюзовых тонах», симфоническая поэма "Американец в Париже", музыкальные комедии и опера "Порги и Бесс"). Джазовую музыку исполняет джаз-банд. - Инструментальный ансамбль (оркестр), который состоит из нескольких саксофонов, труб, тромбонов, контрабаса или тубы, банджо, гавайской гитары, нескольких скрипок, фортепиано и ударных инструментов. Состав этот иногда расширяется (симфонический джаз), иногда сокращается до двух-трех инструментов. Название "джаз-банд" получил, как полагают, по имени афроамериканца Джазбо Брауна - организатора и руководителя первого такого ансамбля в США.