Барочная Италия и Испания

Стиль барокко распространился прежде всего в Италии (барочный Рим превалирует даже над античным и над современным), а также в Испании, Португалии, Фландрии, которая осталась под властью Испании, несколько позже - в Германии, Австрии, Англии, Скандинавии, Восточной Европе, Новом мире . В XVIII в. барокко приобрело своеобразного и блестящего развития в России. Ни во Франции, ни в Голландии барокко ни стало доминирующим стилем.

Рим стал центром развития нового искусства - барокко - на рубеже XVI-XVII вв. Итальянское барокко проявило себя преимущественно в архитектуре. Архитекторы включали в ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы. Начало и конец улиц были непременно обозначены какими архитектурными (площади) или скульптурными (памятники) акцентами. Обелиски и фонтаны, поставленные в точках совпадения лучей-проспектов (впервые в истории градостроительства применяется трехлучевая система улиц, которые расходятся от площади) и в их концах, создают почти театральный эффект долгосрочной перспективы.

Вместо статуи в центре площади возвышается обелиск или фонтан, обильно украшенный скульптурой.

Раннее барокко не создали новых типов дворцов, вилл, церквей, но предоставило им различных декоративных элементов. Интерьеры ренессансных палаццо превратились в анфиладу пышных покоев, много внимания мастера барокко уделяли внутреннему двору, дворцовом саду. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны украсили парки, декоративный эффект усилился и расположением всего ансамбля террасами на крутых склонах.

В период зрелого барокко (со второй трети XVII в.) Палаццо оформляются еще пышнее - и относительно главного фасада, и еще больше с садового стороны. Боковые крылья здания выдвигаются и образуют курдонер (почетный двор).

В храмовой архитектуре зрелого барокко наблюдаются чрезвычайная великолепие, живописность фасада, но и интерьер церкви как места театрализованного обряда католической службы составляет синтез всех видов изобразительного искусства (а с появлением органа добавляется и музыка). Скульптура тесно связана с архитектурой, в барокко время нельзя отделить работу архитектора от работы скульптора. Придворный скульптор и архитектор римских пап, который соединил в себе оба таланты, Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680 гг.), Был автором многих произведений, благодаря которым католическая столица и получила барочного характера. Но главный его произведение - это грандиозная колоннада собора св. Петра и оформления огромного площади у этого собора. Глубина площади - 280 м; в центре возвышается обелиск, фонтаны в стороне него подчеркивают поперечную ось, а самый площадь образовано мощной колоннадой из четырех рядов колонн тосканского ордера 19 м высотой, образует строгое по рисунку незапертое круг, вроде раскрытых объятий, как говорил сам Бернини.

Бернини обращался к античным и христианским сюжетам в скульптуре. Но в его "Давиде" нет ясности и простоты скульптур кватроченто, нет классической гармонии Высокого Ренессанса. Это воинственный плебей: его тонкие губы упрямо сжаты, маленькие глаза зло сужены, тело почти обернутый вокруг своей оси.

Бернини стал создателем барочного портрета - парадного, театрализованного, декоративного, который, однако, отражал реальное лицо (портреты герцога д'Эсте, Людовика IV).

В живописи Италии на рубеже XVI-XVII вв. возникло два главных направления: болонский академизм и связан с именем выдающегося художника Италии XVII в. Караваджо (Микеланджело Меризи да Караваджо, 1573- 1610) - караваджизм.

Братья Караччи основали в Болонье "Академию поставлен на путь истины", в которой художники учились по специальной программе. Она стала прообразом всех европейских академий будущего. Один из ее основателей Аннибале Караччи стремился облагородить натуру в соответствии с классическими норм. Его образы, абстрактные и риторические, соответствовали духу официальной идеологии и потому были признаны.

Мощная реалистичная течение в искусстве всей Западной Европы - караваджизм - стала антиподом академизма. Своеобразным вызовом академически приглаженном живописи было обращение Караваджо персонажам типа картежников, шулеров, гадалок и тому подобное. Изображая этих людей, художник положил начало глубоко реалистическом бытовом живописи ("лютнист", "Игроки").

И главными для мастера остались религиозные темы, хотя его герои жизненно достоверны (в этом оказалась его новаторская смелость). Так, "Евангелист Матфей с ангелами" очень похож на крестьянина. Караваджо накладывал краску большими, широкими плоскостями, выхватывая светом из мрака важнейшие части композиции. Драматизм, взволнованность и искренность образовывали такую реалистичную выразительность, заказчики время отказывались от картин, не увидев в них надлежащего благочестия и идеальности.

Благодаря сплава академизма болонцев и караваджизму возникло итальянское барокко, представлено именами Гверчино (монументально-декоративная живопись с реалистичными типажами и караваджистською светотенью), замечательного колориста Доменико Фетти, Пьетро ди Кортона, Луки Джорджано, Бернардо Строцци, а несколько позже Сальватора Розы, автора блестящих по колористичность мрачно-романтичных композиций.

Позднее барокко - это романтические пейзажи Александро Маньяско, алтарные образы и портреты Джузеппе Креспи.

С XVIII в. начался упадок итальянского искусства, связанный, очевидно, с исторической судьбой Италии, когда испанское господство сменилось австрийским, а вся страна оказалась под властью сильных централизованных государств.

Корни испанской духовной культуры "золотого века" уходит в эпоху суток реконкисты - национально-освободительной борьбы испанцев с арабами, с VIII в. пытались завоевать Пиренейский полуостров. Реконкиста, которая длилась 800 лет, определяла своеобразие исторического развития нации.

История средневековой Испании - это в огромной степени история войны, в ходе которой возникли народные законы и обычаи, складывались свободолюбивые традиции, высокое представление о чести, воинской доблести и героизме. Во времена реконкисты сформировалось гордое чувство собственного достоинства, стойкость, мужество.

Необычный для того времени, но характерный для испанцев, взгляд высказывали впоследствии, в 1518, кортесы (представители дворянства, духовенства и городских общин) Карлу I: "Государь, вы должны знать, что король является слуга нации на жаловании». Крестьянин Кастилии, которая первой отвоевала независимость, никогда не был крепостным.

У народа, который проникся сознанием своего достоинства и своей значимости, в центре внимания должна находиться человек - реальная и одновременно героизированных. Уже в средневековом живописи художники строили пространство до минимума, чтобы подчеркнуть значимость и монументальности человеческой фигуры.

Глубокая религиозность всех слоев испанского общества и чрезвычайно активный контроль со стороны церкви определили роль идеалов испанской культуры. Возможно, именно религиозное рвение, иногда даже фанатизм обусловили любовь испанцев к сценам и сюжетов мученичества с жестокими, порой отталкивающими натуралистическими деталями. Впрочем, это впечатление сглаживается стремлением художников изобразить на лицах мучеников победу сильных людей над физическими страданиями, величие смерти справедливости ради.

Объединение страны как завершение реконкисты произошло в конце XV в. под эгидой "католических королей" - Изабеллы Кастильской и Фердинанда Арагонского. С начала XVI в. Испания - самое могущественное государство Европы. Приобретенный на протяжении веков реконкисты моральный авторитет церкви испанские монархи начали использовать в своих интересах, подчинив непосредственно себе, а не римскому папе, церковь и инквизицию. Продолжение присоединения колоний Нового мира, открытие новых торговых путей превратили Испанию на сильную морскую державу.

Испанское Возрождения не сбросило духовной диктатуры церкви. Испании была чужая итальянский свобода нравов эпохи Возрождения. Церковный контроль над образом жизни испанцев, их религиозность обусловили строгость нравов в стране. Отсюда - внимание прежде всего к морального облика человека, а не к ее телесно-материальной оболочки. Испанцы толковали религиозные сюжеты скорее в морально-этическом плане, а не использовали их, как итальянцы, для утверждения гармоничной красоты и физического совершенства человека. Нагота допускалась в искусстве только при изображении фигур христианских мучеников, а обнаженное женское тело вообще не было до Велас-кеса предметом изображения.

Испанские монархи были воинственными католиками и пытались бороться с распространением протестенства в Европе. Во второй половине XVI в. Испания - форпост общеевропейского контрреформацийного движения. В самой стране свирепствовала инквизиция, которая оказывала страшные жестокости, и это сделало царствования Филиппа II пресловутой эпохой в истории святого трибунала. Такова была Испания в период "золотого века". И при этом - взлет национального художественного гения в конце XVI - первой половине XVII в., Не виданный ранее и никогда больше не пережитый испанской культурой.

Блестящую плеяду испанских живописцев начал Доменико Тео-токопули, прозванный Эль Греко, поскольку он был греческого происхождения (1541-1614 гг.). Эль Греко, не оценено при испанском дворе, едет в Так-ледо, становится основателем толедской школы и выполняет заказы преимущественно местных монастырей и церквей. Он рисует религиозные сюжеты ("Моление о чаше", "Святое семейство"), чаще всего алтарные образы, реже античные ("Лаокоон"), пейзажи - виды Толедо, много портретов. "Радость в страдании" - таков лейтмотив многих его работ. Напряжение, возбуждение, беспокойство присутствуют во всех его картинах. Лица героев удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Его грандов сжигает внутренний огонь, их бледные лица выражают сильное духовное напряжение, глаза словно смотрят вглубь самих себя. Пейзажи - Толедо во время грозы, во вспышках молний - подчеркивают ничтожество человека перед разбушевавшейся стихией.

Цвет Эль Греко использует для передачи эмоций, душевных движений, но не пытается передать краской настоящую красоту предметов. "Дневной свет мешает моему внутреннему", - говорят, сказал когда-то мастер, работавший при искусственном освещении.

В глубоко своеобразном и выразительном искусстве Эль Греко, родившийся в среде старого, почти выродившегося кастильского дворянства и фанатичного монашества, много мистики, экзальтированности, исступления, даже фальшивой патетики и надлома, что побуждает некоторых исследователей относить его к художникам маньеристических направления.

Эль Греко значительно повлиял на формирование испанской живописи.

Джузеппе Рибера (1591-1652 гг.) Как настоящий сын эпохи барокко, и еще испанец, любил изображать сцены мученичества, в них ярко предстает нравственная сила героев, торжество человеческого духа над страданием и смертью ("Мученичество апостола Андрея»). Краски здесь сдержанные, мрачные, только темно-красный штандарт в руках черного бородатого воина слева пылает среди зловещих темных тонов. И ритм, и светотень, и колорит - все использовано художником. А.Н. Бенуа сказал о художнике: "... страшная сила таится в картинах Риберы. Это не шутка. Это не слезливая сентиментальность, не игра в аскетизм, это и не красивая поза, теряет смысл большинства итальянских картин XVI и ХУП веков ..." . Успех "мученичество" Риберы был огромный, они распространились по музеям всех стран в многочисленных копиях и имитациях. Именно поэтому о Рибери часто судят только из этих работ и говорят о нем как о художнике жестоких пыток и кар. Между тем это не изобретение Риберы, а популярный сюжет в период контрреформации.

Но Рибера знаменит не только "мученичество". Интересна его галерея философов и апостолов: "Философ", "Диоген", "Демокрит, смеется", "Философ с зеркалом" - Сократ (зеркало - девиз "познай самого себя") изображен в неожиданном ракурсе. Художник показывает Сократа, почти повернулся спиной к зрителю и погрузился в созерцание своего изображения. Его фигура в лохмотьях, которая выступает из густых теней фона, полна величия, значимости и силы.

Выдающимся центром художественной жизни Испании была Севилья, а главным живописцем ее - Франсиско Сурбаран (1598-1664 гг.). Для него характерны лаконизм и выразительность пластических средств, особенно прослеживается в его натюрмортах. Художник умел выразить красоту формы, фактуры, цвета изображенных вещей.

Выдающийся художник "золотого испанского века" Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599-1660 гг.). Интересно, что у Веласкеса, типичного испанца, почти нет религиозных сюжетов, а те, что он выбирает, трактуются близко к "бодегонес" (от слова bodegуn - трактир, харчевня, магазин) - как жанровые сцены ("Христос в гостях у Марии и Марфы "), так же, как и мифологический сюжет" Вакх ", или, как чаще называют эту картину," Пьяницы ".

Сорок лет он служил художником при дворе Филиппа IV. Но это не помешало ему идти своим путем в искусстве.

Новаторской была уже его картина "Сдача Бреды", посвященная единой победной события в бесславной для испанцев войне с голландцами: толкование темы, когда и победители, и побежденные представлены как достойные люди; новаторской была сама композиция батальной сцены - без аллегорических фигур и античных божеств.

Веласкес портреты (Филиппа IV, его детей, графа Оливареса и других придворных) полны достоинства и воспринимаются неоднозначно - при внимательном взгляде раскрывается много нюансов. Вы смотрите на графа Оливареса - промитного царедворца и хитрого политика, - но он кажется вам более глубоким и сложным за тот образ, который возникает перед вами на картине.

Глубина проникновения "в человека" с особой силой проявилась в портрете пали Инокентия X. Пронзительный взгляд холодных светлых глаз, сжатые губы выдают характер жестокий и целеустремленный, а возможно, и беспощадный, натуру, которая даже на восьмом десятке лет не знает ни в чем преград . Современники утверждали, что, увидев свой портрет, папа воскликнул: "Troppo vero!" ("Слишком правдиво!"). Портрет нарисован в двух тонах: белом и красном, но красный - со многими оттенками.

Так на смену портрета-идеала эпохи Высокого Возрождения барокко выдвигает портрет человека во всей ее сложности.

Благородство и мера, присущие художнику, проявились в портретах шутов: любимый шут Филиппа IV Эль Примо, который задумался над огромным фолиантом в его маленьких руках; разодетый, как принц, карлик "Дон Антонио", который кажется еще менее роста рядом с большим псом - все эти игрушки двора, лишенные собственной судьбы, показаны художником с чрезвычайным тактом.

В последние десятилетия жизни Веласкес создал три самых известных свои произведения. "Венера с зеркалом" - первое в Испании изображение оголеиого женского тела. Венера, которая лежит спиной к зрителю, словно замыкает собой композицию, что, по мнению исследователей, характерно для искусства барокко. Особенность картины заключается в том, что среда насыщена воздухом. Групповом портрета под названием «Менины» (фрейлины) присущи черты жанровой живописи. Стоя у мольберта, сам художник (и это единственный достоверный автопортрет Веласкеса) рисует короля и королеву, ви

 
< Пред   СОДЕРЖАНИЕ   След >