Искусство "галантного века"

После смерти "короля-солнца" в 1715 на смену строгому придворному этикету пришли легкомыслие, жажда наслаждения, роскоши, но не столь неуклюжих, как в предыдущие сутки. В бурных веселье много бравады, предчувствие грядущих изменений.

Двор - уже не единственный коллекционер, возникают частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция становится во главе духовной жизни Европы. Уже в первой половине XVIII в., Когда процесс вытеснения религиозной культуры светской был очень бурным, ведущим направлением во Франции стал стиль рококо (от "раковина", "рокайль").

Некоторые исследователи не считают рококо самостоятельным стилем, а лишь ответвлением позднего барокко, которое потеряло монументальность большого стиля. Однако рококо в "галантный век" Франции имеет свои особенности. Как порождение исключительно светской культуры, еще уже - двора, аристократии - это искусство, более камерное по сравнению с барочным, интимное, теснее связано с бытом, более искреннее. Мир миниатюрных форм не случайно получил главное выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре - преимущественно в интерьере, где стремятся теперь не пышности и величия, а приятного и удобного.

Классицистические в экстерьере дворцы знати и богатой буржуазии, отели в интерьере пышно украшались живописью, лепкой, позолотой, мелкой скульптурой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами, часто устанавливаемыми друг против друга, чтобы в них множилось, становилось фантастическим отражение . Многочисленные панно (краски картин прозрачные, светлые - серо-голубые, сиреневые, розовые, зеленоватые), лепной орнамент, шелк обоев, золото украшений, хрустальные люстры, удобные, хотя и причудливые, мебель с инкрустацией - все это искусство рококо строится на асимметрии, которая создает игривое, насмешливое, притягательное ощущение. Сюжеты только любовные, эротические - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, которые выполняют свои многочисленные «триумфы» и «туалеты». Даже в академических картинах темы любви - аллегории, темы исторические, мифологические, жанровые. Из Священного Писания выбираются преимущественно эпизоды, связанные с любовью: Сусанна и старцы, Сара приводит к Аврааму Агарь и тому подобное.

Но в этом празднично-бездумному искусстве кроется и новый шаг в направлении углубления интереса к интимной миру человека, к "изгибов" человеческой души, к сентиментализма. Остроумие, насмешка, легкая ирония раскрывали новые пласты взаимоотношений человека и мира, которые ранее не были предметом исследования искусства. Рококо как стиль дал новое развитие выразительным средствам. Мелкие, ажурные формы в декоре, ломаные ритмы изысканного менуэта, хитроумные и изощренные коллизии в комедиях Бомарше, популярный жанр романа в письмах, "галантные празднества" и "пастушьи сцены" в живописи, пасторали в музыке - все это создает образ вполне определенной эпохи.

Первым большим мастером рококо был художник Жан-Антуан Ватто (1684-1721 гг.), Который начинал с подражания фламандцев ("Савояр" - мальчик с Савойских гор, идет на заработки). Однако в дальнейшем его главным сюжетом стали галантные празднества - аристократическая компания в парке музицирует, танцует, ходит. Никакого действия, никакой фабулы - мир беззаботной жизни, переданный с изящной грацией немного ироничным наблюдателем ("Вередниця"), иногда меланхолически ("Праздник любви", "Общество в парке", "Тяжелое положение»). Все оттенки любви передаются в цвете оттенками тонов или их смешиванием (колорит - одна из найсиль-ных качеств таланта художника - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов).

Театральность, характерная для всего искусства XVIII в., В Ватто оказалась особенно четко. Один из величайших произведений, завершенных незадолго перед смертью, - "Паломничество на остров Цитеру", где кавалеры и дамы отправляются на остров любви, делает зрителя словно соучастником зарождению чувства, его нарастания. И передано это цветом - мерцающим светом, разбивается на блики. Ирреальность, фантастичность изображения - цель художника. Но это не любовь, а игра в любовь, театр. Вся картина - как театральные подмостки. Театром и была вся жизнь общества, которое рисовал Ватто. Он хорошо знал жизнь настоящего театра, рисовал актеров итальянской и французской комедии ("Жиль").

Реалистичный произведение Ватто - "Магазин Жерсена". В правой частиш картины разговаривают кавалеры и дамы, которые зашли в антикварный магазин, в левой - складывают в ящики картины, среди которых и портрет Людовика XIV - "короля-солнца". "Нет ли здесь мнения о мимолетности жизни, славы, власти и вечность только искусства?" - Спрашивают искусствоведы.

Истинным представителем французского рококо считают Франсуа Буше (1703 - 1770 ГГ.) - "Первого художника короля", как его величали, директора академии. Гедонизм, свойственный рококо, Буше довел до полного пренебрежения рациональным, разумным. Он умел делать все: панно, картины, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, каминных часов, карет, эскизы костюмов и пр. Темы - религиозные, мифологические, пейзанская виды - все это пасторальный, идиллический и при этом выражает откровенно чувственное наслаждение жизнью ("Триумф Венеры", "Туалет Венеры",

"Венера с Амуром", "Венера с Вулканом", "Купание Дианы" и т.д.). И хотя его героиня - бело-розовая богиня Флора в пастушьей одежде - это аристократка, парижанка.

Во второй половине жизни Буше стал объектом жестоких нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, который видел в нем олицетворение всех бед, с которыми боролись просветители.

Искусство Ватто и Буше во второй половине века, когда идеалам рококо, как и самому заказчику этого искусства, уже по сути был вынесен приговор (потому это время подготовил господства буржуазных ценностей), продолжил блестящий мастер, живописец-импровизатор, художник редкого таланта, фантазии, темперамента Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806 гг.). Свет и воздух, нежные, изысканные сочетания голубых, розовых, палевых тонов наполняли его картины, он работал во многих жанрах, изображая в основном галантно-любовные сцены ("Поцелуй украдкой", "Счастливые возможности качелей").

Портреты многих художников этого времени - в основном женские - прославляют своих знатных героинь (Луи Тонкое, который приезжал в Россию и нарисовал портреты Елизаветы Петровны и многих знатных дам; Жан-Марк нать, который рисовал парижанок) в образах богинь, муз, нимф, весталок , которые потеряли классическую величество, кокетливых, игривых, пикантных.

Подобные вкусы, однако, под влиянием Просвещения и грядущей новой эпохи постепенно менялись.

В архитектуре началась стилизация греческого искусства, хотя и несколько романтизированная. Модным стал английский ландшафтный парк - полная противоположность французскому регулярном. Он должен был быть таким, чтобы казалось, будто его не трогала рука человека. Мостики и хищные возникали в нем как бы невзначай, руины наводили на размышления. В орнаментике тоже преобладали греческие мотивы - меандр, пальметты, гротески. Если в Малом Трианоне в Версальском парке видим классические черты, дополнены, однако, лиризмом и интимностью, то уже через реку начатой в Париже церкви св. Женевьевы (с 1791 гг. - Пантеон, место захоронения знаменитых людей Франции) усиливается героическое начало.

В Италии расцвет наблюдается только в Венеции. Она уже перестала быть полновластной хозяйкой Средиземного моря, потеряла богатства, восточные владения. Но она избежала разорения от руки иностранных наемников и сохранила республиканский строй. Это создало условия для процветания культуры.

Венеция XVIII в. - Центр музыкальной (оперные театры, музыкальные академии и консерватории) и театрального (Гольдони, Гоцци) жизни Европы, книгодру-ку, стеклоделия ("венецианское стекло"). Она славилась своими праздниками, регатами, а главное - маскарадами, которые продолжались почти целый год (за исключением поста). Эта театрализация жизни наложила отпечаток на искусство Венеции. Спрос на декоративное раскрашивания дворцов венецианской знати и картины - алтарные образы для церквей - вызвал чрезвычайное развитие монументально-декоративной живописи, который продолжил традиции барокко (темпераментный искусство Себастьяна Риччи, жанровые мотивы Джо-нии Батисты Пьяцетта).

Венеция цого века дала миру замечательных мастеров ведуты - городского архитектурного пейзажа (Антонио Каналетто, Франческо Гварди - "Венецианский дворик", например) - жанровой живописи, который воспроизводил концерты, уроки танцев, маскарады (Пьетро Лонги).

Венеция оставалась со времен Возрождения привлекательным городом Италии и центром театральной жизни. Это было город развлечений. Венецианский карнавал, который казалось длился целых полгода. В городе постоянно работало несколько театров. Сюда приезжали увидеть Италию "старым добрым временам".

Комедия масок превратилась уже в музейное зрелище - актеры ее, как мы знаем, были импровизаторами, и их мастерство не предусматривала заучивания литературного текста. Кроме того, каждый из них всю жизнь играл одну маску, ему трудно было создавать различные образы.

Реформатором итальянского театра стал Карло Гольдони (1707-1793 гг.). Он написал много пьес (то в сезон 1750-1751 гг., Спасая театр, попал в материальные затруднения, он создал шестнадцать комедий!), Воспитал и перевоспитал целое поколение актеров. Задача театра Гольдони видел в изображении и высмеивании негативных обычаев, считая, что комедия должна быть школой морали. В пьесах он изображал конфликты между героями и решал их, создавал различные ситуации, которые приводят к недоразумениям. Но при этом - как исследователь человеческой природы-изучал человеческие характеры и сложные человеческие отношения. Гольдони иногда называл свои произведения "комедиями среды". Его герои появляются, исчезают, ссорятся, плетут интриги. Ощущение вечности жизни, непрерывного его течения не исчезает ни на минуту. Уже в ранней пьесе "Слуга двух господ" Гольдони, создав образ Труффальдино, сделал уверенный шаг вперед к усложнению образов комедии дель арте. Драматург соединил в одном своему герою и ловкача, и благодушного недбальця, то есть характер Труффальдино весь соткан из противоречий. Этим было положено начало ряду внутренне контрастных, богатых неожиданности и вместе с тем последовательных характеров (Миран-долина в "Хозяйке заезда", мот-колбасник в "самодур" и др.). Сам тип комедии нравов, созданный Карло Гольдони, был по-своему уникальным в середине XVIII в.

Но славу пошатнули фьябы (театральные сказки) Карло Гоцци (1720- 1806): "Любовь к трем апельсинам", "Турандот", "Король-олень", "Женщина-змея" и др. Гоцци считали ретроградом. Он был теоретическим и художественным противником просветительского культа разума, выступал за старый, феодальный строй, за то, чтобы каждый социальный слой знал свое место, и народные комедии Гольдони казались ему недопустимыми уже потому, что автор выводил на сцену низы общества в качестве равноправных героев спектакля. Гоцци не шел за новыми людьми ни в чем - ни в мыслях, ни в укладе жизни, ни даже в одежде. Венецию он любил за то, что она "населена духами прошлого". Это не было метафорой, он искренне верил в существование духов и на склоне лет все свои многочисленные бытовые лишения объяснял тем, что духи мстят ему за то, что он раскрыл людям их тайны.

Гоцци хотел вернуть на сцену импровизированную комедию, и хотя традиции комедии дель арте оказались плодотворными и живучими вплоть до наших дней, сам Гоцци создал по сути новый жанр, хотя и связан с комедией масок. На него большое влияние традиция французского ярмарочного театра. Иногда он переходил к притче, время полностью отдавался жизненной логике образов. Иногда Гоцци апеллировал к колдовству, иногда вполне реалистично мотивировал явления. Гоцци любил гротескный шутка, но в то же время подносил зрителю аллегорию величественной морали, давал образцы героического над любви и тому подобное.

Консерватор и моралист, Гоцци искренне любил искусство и имел огромный талант, а потому он интересен и нашему времени.

Как видим, духовная культура этого периода сложная и неравномерна. Свойства художественного восприятия жизни - интимность, лиризм, но и острая наблюдательность, проникновение в человеческие страсти и характеры - принесли новые открытия, заметно развили мировую художественную культуру. Однако следует признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических взглядов общества, свойственных искусству предыдущих лет.