Авангардистский живопись: драматизм вхождения нового в культурный процесс

В изобразительном искусстве при всем разнообразии его течений прослеживаются также две тенденции: поиск новых форм реализма и отход от принципов той реалистической системы, которая была присуща европейскому искусству еще с эпохи Ренессанса. Это искусство модернистское, которое каждый раз выступает с позиций открытия новых путей и поэтому объявляет себя авангардом.

Уход от реализма особенно проявился в изобразительном искусстве Франции, стала родиной фовизма, кубизма, дала своих дадаистов и сюрреалистов, абстракционистов. Экспрессионизм всего развился в Норвегии и Германии, футуризм - в Италии и России. Российские художники стояли также у истоков и абстракционизма, и сюрреализма.

В 1905 г.. На выставке в Париже художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Альбер Марке и другие демонстрировали свои произведения, за резкое противостояние цветов и упрощенность форм критика назвала произведениями "дикарей" (фр. Les fauves), а все направление получил название "фовизм".

Самая яркая из фовистов был Анри Эмиль Бенуа Матисс (1869-1954 pp.). Его полотна отличаются необычностью образов и удивительной яркостью красок. Основной элемент его искусства - интенсивный цвет ("Женщина в шляпе", "Осенний салон»). "Цвет должен быть выразительным, - говорил художник. - Я просто кладу краску, которая выражает мои чувства". Наиболее значимые два его панно: "Танец" и "Музыка". Всего три цвета использует мастер: красный, синий, зеленый. В огненной яркости и предельном лаконизме этих картин ощущается первобытная дикость и чувственность человечества. Хоровод изображает не конкретный танец, а саму идею танца, потому что фигуры изображены не как конкретные женщины, а как человеческие существа вообще. И рядом с остервенением "Танка" - тишина и неподвижность "Музыки". Те же пять фигур, они так же увлечены пением, как фигуры в "Танка". В их расположении есть определенный ритм, что в дальнейшем наряду с цветом становится душой живописи Матисса. Чаще всего художник изображает простые вещи: клетчатые ткани и кресла, цветы, женское тело. Его не интересует передача освещения, объем, пространство. Но он определенно передает отмеченные характерные позы, жесты, даже психологическое состояние ("Семейный портрет"). Его живопись звучный, декоративный, жизнерадостный, хотя в 1949 г.., Во время войны, он создал натюрморт "Черепашка на черном мраморе", полный драматизма. Контраст черного фона и светлых предметов, которые безразлично стоят рядом, острые углы напряженно изогнутой раковины вызывают чувство скрытой трагедии.

Много общего с Матиссом в Амедео Модильяни (1884-1920 гг.): Лаконизм и изящество линий, четкость силуэта, обобщения. Но монумев-тализа, присущего Матиссу, в Модильяни нет - он более камерный, интимный.

Самой сложной авангардистской течением стал экспрессионизм. Сложился он в Германии, хотя своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали бельгийского художника Джеймса Энсор с его основным мотивом творчества - масками и скелетами, выражением ужаса перед действительностью, а также норвежского художника Эдварда Мунка (1863-1944 гг.). Картины последнего критика назвала "криками времени". Символические его произведения - то "Танец жизни", "Ревность", "Женщина", то ли "Пепел" - это всегда сгусток человеческих чувств и взаимоотношений. Часто толчком для этих работ является литературное произведение, иногда в их основу ложатся и жизненные наблюдения. Наиболее значимым в этом плане был "Фриз жизни" - цикл, к которому художник возвращался всю жизнь, стремясь передать саму жизнь "со всеми его призраками, все его вариации, его радости и печали; трагические и оптимистичные аспекты бытия". Поэтому-то его картины критика и назвала "криками времени".

Начало экспрессионизма как художественного направления было положено в 1905 году. Организацией объединения "Мост" студентами архитектурного факультета Высшего технического училища в Дрездене. В геометрически упрощенных формах, через полный отказ от передачи пространства, через незгармони-ным тона Е.Л. Кирхнер, Э. Хенкель и другие передавали свой ужас перед настоящим и будущим, ощущение собственной неполноценности, безнадежности и беззащитности в мире. И все-таки это, вызванное к жизни сильными чувствами, искусство было холодным и рационалистическим. В нем уже проявилась одна из основных качеств авангардистского живописи - ее рациональность, обращенность к разуму, а не к чувствам зрителя.

Объединение «Синий всадник» (Альфред Кубин, Кокошка), что образовалось вслед за "Мостом", распалось перед первой мировой войной, а его анти материализм и анти реализм, отбросив живы традиции импрессионизма, были направлены к абстрактному искусству. Надо помнить, что экспрессионизм влияние на многих художников, которые не принимали современного мира, отрицали его.

Становление другого направления авангардизма - кубизма связано с творчеством французских художников Жоржа Брана и Пабло Шкассо. Пабло Пикассо (Руис и-Пикассо, 1881-1973 гг.) Вообще наиболее ярко выразил общую тенденцию искусства эпохи и был центральной фигурой в западном художественном мире первой половины века.

Период а 1901 по 1907 в творчестве Пикассо называют последовательно "голубым" (1901-1904 гг.) И "розовым" (1905-1906 гг.). Картины первого периода, главные герои которых - нищие, бродяги, акробаты-циркачи, путешественники, отмечены печатью усталости и обреченности. Они изображены в сине-зеленой гамме, тела их удлиненные, контуры сломаны. С 1905 г.. - Персонажи те же, но пространство картины заполнился розово-голубоватым, розово-серым или золотистым дымкой, контуры рисунка мягче, настроение более лирический ("Девочка на шаре").

Полотном Пикассо "Авиньонские девушки" начинается собственно период кубизма, который западная критика назвала "революционным переворотом, равного которому не было со времен Возрождения". С кубизмом было в свое время связано много художников, но в творчестве Пикассо и Брака эксперименты кубизма получили наиболее законченное выражение. Многие формальных проблем кубизма намечено именно в "Авиньонских девушках". Изображая пять обнаженных женщин, Пикассо предлагает невиданное до тех пор трактовка человеческой фигуры и ее форм. Неестественно плоские, угловатые, с искаженными пропорциями тела, похожие на маски лицо, возвращены в сторону неправдоподобно тонкие носы. При этом лицо изображены в фас, носы в профиль или одновременно в разных ракурсах одна и та же фигура. Фигуры женщин вроде составленные из отдельных геометризованных плоскостей и упрощенных объемов. "Я спрашивал себя, - говорил когда-то художник, - не надо скорее изображать вещи такими, какими их знают, чем такими, какими их видят". То есть в "Авиньонских девушках" художник словно обнаружил конструкцию тел изображенных женщин, показал, из которых геометрических плоскостей состоят головы, носы, уши, тела.

Вокруг Пикассо и Брака собирается группа художников и поэтов, прозванная "плавучий прачечной" (так назывался дом на Монмартре, где в то время жил Пикассо).

Следующим этапом был кубизм аналитический, когда предмет изображают ие только с разных сторон, а изнутри, показав один план сквозь поверхность другого, поэтому в картинах этого периода, изображения, как правило, полупрозрачные. Далее наступил кубизм синтетический, в котором цель художника "создать новый предмет, несравненный ни с каким другим предметом действительности". А если это так, то общение с натурой в процессе творчества становится необязательным. Произвольно конструируя формы предметов, художник вполне может положиться на субъективное представление о ней, в свою память.

Пикассо отдал должное классицизма ("Мать и дитя", портрет сына Поля, иллюстрации к «Метаморфоз» Овидия), сюрреализма ("Плачущая женщина").

Но главный его произведение - "Герника", в котором, несмотря на деформации, сложные аллегории и символы, художник выразил ужас, безумие, отчаяние, трагедию мира, уходит в небытие. 26 апреля 1937 маленький испанский городок Герника фашистскими бомбами было сметено с лица земли, несколько тысяч человек погибли его руинами. Это событие потрясло Пикассо. Конечно, в "Гернике" нет ничего от конкретного города басков, нет ые самолетов, ни убийцы. Посреди ночи, посреди черепов и костей, символов смерти, гибнут люди, в предсмертных судорогах вздрагивают лошади. Расширенные глаза лиц-масок видят только мертовне свет, искореженные обломки: таким, возможно, видели этот мир люди, которые погибали под ними. Трагическая античная маска со светильником, которая врывается в этот хаос и взывает от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника. Свет, разорванное на плоскости, напоминает зловещее лучи прожектора концлагеря. Хаос разрушения Пикассо передал благодаря деформации, к которой он удался. После второй мировой войны эта картина вообще воспринималась как пророчество. Выдержанное в основном в белых, черных и синих тонах, полотно явственнее какие многоцветные картины.

Влияние формальных приемов кубизма сказался на одной из течений раннего модернизма - итальянском футуризме. Его фанатичным сторонником и популяризатором был поэт Ф.Т. Маринетти. В распространяемом им в Европе "Манифесте футуризма" сообщалось о смерти искусства прошлого и рождения футуризма как искусства будущего. В Маринетти нашлись единомышленники среди художников - В. Боччони, Дж. Балла и др. Футуристы считали, что они открыли новую красоту - красоту современного мира, которую представляют фабрики и железные дороги, машины и самолеты, гул моторов, скорость (В. Боччони - "Шум улицы проникает в комнату", "Механизм улице"; Дж. Балла - " Пластичность света + скорость »).

Футуристы любовались миром, где все движется и непрерывно меняется, динамичной толпой, машинами, которые несутся на больших скоростях, феерией электрических огней. Они поставили себе целью воспроизвести в живописи этот динамизм, причем динамизм не только улицы, но и человеческой души и тела (В. Боччони - "Состояние души, и: днем»). Для этого они хотели решить неразрешимое средствами живописи задача - воспроизвести движение сам по себе, движение как таковое. Конь, бежит, утверждали футуристы, имеет не четыре, а двадцать ног, - и все двадцать ног пытались изобразить, то есть перенести на полотно несколько моментов движения одновременно. И тут им на помощь пришел кубизм. Позаимствовав его опыт, они разложили движущийся предмет на отдельные элементы и прибегли к близким к абстракции или полностью абстрактных композиций полупрозрачных планов и объемов. Так они хотели передать иллюзию динамического ритма. Стремление передать движение вызвало изменения в цветном и композиционном решении. Цвет стал едким, дисгармоничным, композиция неубранной.

"В отличие от других европейских авангардистских течений, футуризм не ограничился сферой эстетики, а перешел на ниву политики и морали", - писал о футуризм историк итальянского искусства Гвидо Балло. Манифесты футуристов призвали разрушать музеи и библиотеки, они приветствовали войну (как единственно возможно гигиену мира), милитаризм и анархию.

Наиболее крайняя школа - абстракционизм - сложилась как направление в 10-х гг. XX в. Его основоположниками стали художник Пит Мондриан (родом из Голландии), Василий Кандинский (москвич) и Казимир Малевич (из Украины). Теоретики абстракционизма выводят его от Сезанна через кубизм. Французский критик и художник М. Сефора дал такое определение этому течению: "Я называю абстрактным всякое искусство, которое не содержит ни одного упоминания, ни отзвука действительности, все равно, была не была ли эта реальность исходной точкой для художника". Сефора так и называет абстракционизм - "беспредметным" искусством.

В. Кандинский (1866-1944 гг.), Который в 10-е гг. Полностью порвал с натурой и создал около ста преимущественно абстрактных полотен, объяснял свою художественную манеру тем, что "когда религия, наука и мораль разлагаются, когда внешние подпорки угрожают разрушиться, тогда человек отвлекает взгляд от внешнего мира к духовному, к передаче "чистого", независимого от материи духовной жизни ". "Чистые" цвета и линии могут передать внутреннее «духовное звучание", не обнаружены чувства и предчувствия. В книге "Язык формы и цвета" художник объяснил, цвет, линия, форма соответствуют в его представлении определенным душевным состояниям: желтый - цвет сумасшествия; синий - призыв в бескрайние просторы, пробуждение стремления к чистой; зеленый - символ идеального равновесия; фиолетовый несет в себе что-то болезненное, угасающий и т. д. Линия так же символична, как и цвет: горизонтальная - пассивная, женская, вертикальная - активная, мужественный. Богатое воображение, очень тонкое чувство колорита в Кандинского воплощались в приятные для глаза, насыщенные, динамичные цветные композиции ("Импровизация", 1912 г.). Художник активно интересовался проблемами сближения цвета с музыкой. Исследователи считают, что В. Кандинский - последний представитель литературно-психологического символизма, подобно А. Моро во Франции и М. Чюрлениса в Литве, и вместе с тем первый художник-абстракционист.

П. Мондриан (1872-1944 гг.) Сначала был связан с кубизмом, доведя его принципы к простому чертежи на плоскости. Группа его последователей в Голландии, объединившихся вокруг журнала "Стиль", провозгласила создание универсального образа мира посредством прямоугольников разного цвета, отделенных друг от друга линией. Мондриан был буквально заполнен культом равновесия вертикалей и горизонталей и порвал все связи с журналом "Стиль", когда тот ввел в 1924 году. В качестве компонент выразительной речи угол на 450. На его полотнах не было ничего, кроме черных прямых линий и трех чистых цветов - красного, синего, желтого, а иногда и просто белой плоскости, разделенной двумя-тремя линиями ("Композиция", 1921 p.). Трудно поверить, глядя на картины Мондриана, что он работал над ними много месяцев, а то и лет - долго думал над каждой линией, сдвигая их на сантиметр или миллиметр в ту или иную сторону. Мондриан принадлежит утверждение: "... нет ничего конкретного линии, цвет, плоскость". В 40-е pp. оно было подхвачено итальянскими "конкретистамы".

Казимир Малевич (1878-1935 pp.) Соединил импрессионистический абстракционизм Кандинского и геометрический абстракционизм Мондриана в изобретенном им супрематизм (от фр. Supreme - самый высокий). В своих теоретических работах он говорил, что в супрематизм "о живописи не может быть и речи, живопись давно изжил себя и сам художник - предрассудок прошлого". В стремлении абсолютной "чистоты чувств" он создавал композиции из черных, красных и белых квадратов. Его "Черный квадрат" вошел в историю как наивысшее выражение крайностей модернистского искусства. В 30-е pp. Малевич вернулся к фигуративной живописи в реалистических традициях ("Девушка с красным древком").

Особое направление абстракционизма - променизм - ярко представлен в творчестве Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Все предметы эти мастера видели как сумму лучей, а художник, по их мнению, был призван найти сечения в определенных точках лучей, т.е. выразительные линии.

В 40-е и послевоенные годы абстракционизм переживает новый подъем. Еще в 1937 году. В Нью-Йорке создан музей беспредметной живописи, основанный семьей миллионера С. Гугенхейма, а в 1939г. - Музей современного искусства, на средства Рокфеллеров. Во время второй мировой войны и после нее в Америке вообще собрались все ультралевые силы художественного мира. "Звездой" в этот период считался Джексон Поллок, автор термина "дриплинг" - разбрасывание красок на холст без кисти. Это называется абстрактным экспрессионизмом. Так же называются и "сеансы творчества" Жоржа Матье, который сопровождал их маскарадными переодеваниями и музыкой и называл эти творения вполне сюжетно (например, "Битва при Бувине»).

Одной из авангардистских течений, появившихся в первое десятилетие XX в., Но живут и поныне, стал сюрреализм (от фр. Surrйalisme - Надра альное). Этот термин впервые прозвучал в +1917 p. в предисловии Аполлинера к своему произведению, хотя он не был поэтом сюрреализма. Однако сюрреализм возник не сам по себе, а на почве дадаизма (от фр. Dada - игра в лошадки).

Дадаизм родился в разгаре первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в своеобразном художественном клубе под названием "Кабаре Вольтер". Поэтов и художников из разных стран, в основном эмигрантов, объединила ненависть к войне, к паразитирующей на кровавой бойни системе отношений. Своим врагом они считали любой авторитет, любую традицию и даже само искусство. Дадаисты не предъявляли никаких идеалов. "Мы просто издевались по всему, - писал Георг Гросс, - для нас не было ничего святого, мы плевали на все, и это было дада". Это было "художественным хулиганством": по мнению дадаистов, можно рисовать картины в темноте, без различия цветов на холсте и палитре (Г. Рихтер), делать автоматические, бессознательные рисунки (Г. Арп), демонстрировать утюг с припаянными шипами, ночной горшок и писсуар. Они даже объявили любое изделие произведением искусства, если художник вырвал его из обычного для среды и дал ему название (например, оконная рама Дюшана, затянутая вместо стекла черной кожей, превратилась в вдову).

На почве дадаизма и сначала лишь как литературное течение и возник сюрреализм. У1924 г.. Вышел его первый манифест. К сюрреализма потянулась прежде мятежная художественная молодежь - "потерянное поколение", как называли тех, чья молодость совпала с первой мировой войной. Теоретически сюрреализм основывался на философии интуитивизма Анри Бергсона (познание истины возможно только с помощью интуиции, творчество является иррациональным, мистическим актом), на философии Вильгельма Дильтея, который настаивал на роли фантазии и случайного в искусстве, а также на учении о психоанализе Зигмунда Фрейда, которого сюрреалисты считают своим идеологом: уже в первом манифесте говорилось, что творчество основывается на "психологическом автоматизме", на бредовом мире подсознания, что это "диктовку мысли при отсутствии каких-либо эстетической а потому морал ьнои озабоченности". Своими предшественниками сюрреалисты объявили выходца из России живописца Марка Шагала и итальянского архитектора Антонио Гауди. К сюрреализма в литературе примкнули такие большие мастера, как Поль Элюар, Луи Арагон, Федерико Гарсиа Лорка, Пабло Неруда.

В живописи сюрреализма главное - воздействовать на зрителя ассоциациями, поэтому в нем тяжелое зависает, твердое растекается, мягкое костенеет, мертвое оживает, прочное разрушается, живое превращается в гниль и прах.

Выдающийся художник этого направления, творчество которого началась в 30-е годы, - Сальвадор Дали (1904-1989 гг.). Очень талантливый живописец, автор книг о себе, богохульник и католик, мультимиллионер, мистификатор и циник, он вел сприймача в мир бредовых ассоциаций. Исследователи указывают на два метода в его творчестве: либо он вводил в нереальный, фантастический пейзаж предметы нарочито обыденные, или искажал реальные к ужасающему образа. В картине "Предчувствие гражданской войны" (в 1936 г..) Изображена разложена голова на костяной ноге с двумя огромными лапами одна из них выжимает кровь из части другого тела, страшная голова которого запрокинута назад в диком оскал. И все это на фоне мертвого пейзажа.

Во времена второй мировой войны центр сюрреализма переместился в Америку. Здесь Дали создал проект "Института изучения проблем атомной бомбы применительно к искусству" (при этом атомная бомба воспринималась как нечто обычное) и нарисовал картины: "Три сфинксы бикини" (три головы с перманентом, вырастающие из земли), "Атомный Нерон" (расколотая статуя императора) и "Атомная Леда" (почти академически правильное изображение женского тела и лебедя с огромными лапами).

Наивысшего успеха сюрреалисты достигли в 40-е-50-е гг. В 60-х они уступили популярностью новой волны абстракционизма - поп-арта. Этот срок (искусство для широкого потребления, популярное, массовое) возник для обозначения разного рода коллажей, композиций из бытовых вещей на холсте. Исследователи считают, что это реакция на беспредметное искусство, одно из проявлений уже постмодернистской культуры. Составляющими произведения поп-арта могут выступать манекены, части машин, чучела, афиши, окурки и др. Несколько из этого делали еще дадаист, но, правда, с юмором.

В середине 60-х гг. Возник оп-арт. В работах оп-художников основное внимание уделялось оптическим эффектам, основанные на причудливых, порой удивительных композициях абстрактных геометрических форм. В полную силу это авангардистское крыло показало себя в Нью-Йорке, на выставке "Зоркий глаз", в которой принимали участие 75 художников из десяти стран. Оп-арт определенным образом повлиял на художественную промышленность, прикладное искусство, рекламу.

В те же годы возникло и кинетическое искусство, в котором главным принципом было то, что произведение "двигался, вибрировал, набирал энергии, умирал и снова возрожу ва вся".

Новинками постмодернизма стали также световое искусство (в основном это спроектированы на экран подвижные, порой весьма эффектные комбинации цветных лучей) хэппенинг (это действия самих участников - своеобразные живые картины, но картины, не связанные логически, хаотичные) гиперреализм, а точнее фотореализм (использует цветную фотографию или муляж для воспроизведения действительности).

В искусстве XX в. живут и реалистические традиции. Новый реализм, которому еще не найдено точного названия и который чаще всего именуется реализмом XX в., Начал складываться с первых годов прошлого века в экспрессивной немецкой художественной графике Кете Кольвиц (серии офортов «Восстание ткачей", "Крестьянская война"), в гравюрах бельгийца Франца Мазереля (серии "Крестный путь человека", "Мой часослов", "Город"), швейцарца Теофиля Стейнлейна, лирических пейзажах французов Мориса Утрилло и Альбера Марке.

В годы фашизма рисуют свои антифашистские произведения Галс и Леа Грун-Динг (графические циклы "Звери и люди" и "Война грозит"). Героическим экспрессионизмом названа творчество Гарсиа Лорка: серия графических листов, изображающих зверствах фашизма. Так зарождалось искусство итальянского неореализма, которому принадлежало пережить блестящий расцвет в кинематографе.

В 50-е гг. Выступили так называемые социальные реалисты Англии: график Пол Хоггарт, живописец Клиффорд Ро.

Верной реализма осталась и французская скульптура, дала в начале века трех выдающихся мастеров - Аристида Майоля (памятник Сезанну, "Присела на корточки") Антуана Бурделя ("Памятник павшим в 1870-1871 гг.", "Стрелявший Геракл", памятник Адаму Мицкевичу в Париже); Шарля Деспио.

Глубоко гуманистическое по своей сути искусство замечательного итальянского скульптора Манцу, художника-философа ("Распятие", "Кардинал", серия "Балерина", рельефы для "Врата смерти" собора Св. Петра в Риме).

Хотя скульптура никогда не была ведущим видом английского изобразительного искусства, именно Англия породила один из выдающихся мастеров скульптуры XX в. - Генри Мура (1898-1986 гг.). Его работы - от вполне реалистичных до сугубо абстрактных - величественные и монументальные ("Мать и дитя", Хорхемптон, собор св. Матфея, "Лежащая фигура" Дом ЮНЕСКО в Париже).

мощью функционализма было то, что он предоставил возможность использовать национальные, традиционные и другие особенности места застройки (многоэтажные дома в городских районах с высокой плотностью населения и сохранение коттеджей на окраинах - в Англии и, наоборот, - вынесение многоэтажных домов в пригород - в Париже и Берлине).

Архитектурный экспрессионизм и национальный романтизм как направления не получили широкого признания.

Урбанистическая и дезурбанистична теория строительства сложилась в 20- 30-е гг. Как противоположные. Первую создал Ле Корбюзье, который разработал проект реконструкции Парижа ("План Вуазен»). По сути это был проект города будущего: комбинация небоскребов, свободных зеленых пространств и сложной сети транспортных артерий. Дезурбанисты (французские архитекторы Эжен Бодуэн, Марсель Лодсом, немецкий - Б. Таут, американские - Ф.Л. Райт и В. Хоэн) разрабатывали проекты небольших городов (не более 32 тыс. Жителей) вокруг крупных (но не более 60 тыс . жителей) - это промышленные рабочие поселки или крупные жилые комплексы в пригородах. Англичанам особенно импонировала идея города-сада. Б. Таут отрицал город, считая поселка на 500-600 человек идеальными, Ф.Л. Райт предложил каждой семье выделить акр земли для обработки, современный скоростной транспорт обеспечит общения, а телевизор - информацию.

Как видим, с одной стороны, прославляется механизированный бытовой стандарт, а с другой - ему объявляется война. В реальной практике эти два течения часто переплетались. Возникли города-спутники, старые города развивались от центра к периферии, постепенно в центре оставались только административные здания (Большой Лондон, Большой Париж, Большой Нью-Йорк). Разъединение пешеходных и транспортных потоков идет от дезур-банистив. Даже в Англии, единственной стране, которая сохранила в архитектуре исторические стили (неоготику, неоклассику и др.), Победил в 40-е гг. Функционализм (возможно, не в последнюю очередь и потому, что в Англии поселились немецкие архитекторы-эмигранты, убежали от нацизма, - В. Гропиус, Э. Мендельсон). И все-таки англичане не слишком изменили традицию: Шекспи--ровский Мемориальный театр в Стратфорде-на-Эйвоне имеет романтический характер.

Развитие строительной техники открыл новые архитектурные возможности. Сборные железобетонные панели, а впоследствии - пространственные железобетонные конструкции (параболы, эллипсы, гиперболы, "висящая седловидная форма" и др.) Создают новый эстетический образ - и не только в домах, но и в таких сооружениях, как мосты. Эстетика инженерных сооружений определяется сочетанием логического и художественного мышления, рационализма и образности. Свое наиболее полное воплощение она получила в гигантских новых городах Латинской Америки (например, Сан-Паулу, Рио-де-Жанейро в Бразилии), где успешно решены следующие проблемы, как соотношение высотных и длинных домов